'A Menina Que Matou os Pais'/'O Menino que Matou Meus Pais': estética da reconstituição impede projeto de se tornar marco do “true crime” brasileiro | Crítica 2

NOTA 5.5

Por Alan Ferreira @depoisdaquelefilme

Em “Rashomon”, obra-prima de Akira Kurosawa lançada em 1950, somos convidados a conhecer um mesmo evento – também envolvendo a morte de alguém – através de pontos de vista diferentes. Na verdade, o dispositivo narrativo trazido pelo mestre japonês é apenas a centelha para que ele nos convide a refletir sobre a impossibilidade de se confiar em alguém num mundo onde a verdade ruiu, tal como a fachada da vila que dá nome ao clássico. Não há ali o apelo para que o espectador “compre” qualquer uma das versões apresentadas para que, assim, assuma o papel de juiz e determine quem diz a verdade. É justamente sobre essa impossibilidade que Kurosawa quer falar e, nesse intuito, ele toma inúmeras liberdades visando ao desenvolvimento de sua provocação.

Todo este preâmbulo sobre “Rashomon” mostra-se necessário para se analisar a dobradinha de perspectivas apresentadas acerca de um dos crimes mais famosos ocorridos no Brasil nos últimos vinte anos: o assassinato dos pais da jovem Suzane von Richthofen em outubro de 2002. Afinal, está no cerne da empreitada, desde a sua gênese, a proposta até certo ponto ambiciosa e, por que não, instigante de trazer as narrativas dos principais acusados em filmes distintos. O apelo midiático do caso já seria por si só uma peça de marketing com grande potencial, e o envolvimento dos nomes de Raphael Montes e Ilana Casoy, roteiristas que já haviam mostrado muita competência na ótima série “Bom Dia, Verônica”, atiçavam ainda mais a expectativa do público. Porém, a pandemia acabou impedindo que pudéssemos observar a força do experimento em termos de bilheteria nas salas de cinema, restando apenas a saída da estreia simultânea em streaming, o que se revelou um caminho bem prático e, parece, até mais acertado.

A questão é que tanto “A Menina Que Matou os Pais” quanto “O Menino que Matou Meus Pais” não demonstram tanta preocupação com uma elaboração dramatúrgica ou de linguagem na transposição dos fatos. Em ambos, salvo alguns momentos esparsos, tem-se a impressão de se estar diante de um episódio qualquer do programa “Linha Direta: Justiça”, devido à flagrante opacidade cinematográfica que o diretor Maurício Eça (“Carrossel – O Filme”) imprime. Dos enquadramentos às atuações, tudo carrega um estranho ar de reconstituição mecânica e fria. É óbvio que ninguém vai exigir o mesmo nível de sequências como as que se pode observar em “Pulp Fiction” ou “Jackie Brown”, obras em que Quentin Tarantino demonstra ter aprendido direitinho com Kurosawa como trabalhar uma mesma cena por diferentes ângulos e fazer com que o espectador se sinta cada vez mais imerso. Mas, assim, sem dar qualquer personalidade estética aos relatos, o que a dupla de filmes dirigida por Eça sustenta é a permanente sensação de estarmos lendo os autos do processo. Então, qual seria a razão de se propor duas obras de ficção para serem consumidas em conjunto – é até perceptível uma sutil indução na ordem dos longas na arte dos títulos -, se suas potencialidades não serão exploradas?

Além do pouco esmero audiovisual (em certa altura, a trilha arremessa “A Cera” da banda Surto na história narrada por Suzane!), os filmes padecem de um maior aprofundamento psicológico das figuras retratadas. Fica difícil acreditar que, com tanto material à disposição, os autores não tenham conseguido ir além da “fedelha fatale” – lembrando que Carla Diaz já tem trinta anos – pintada por Daniel Cravinhos em “A Menina...” ou do alpinista social da quebrada construído pela versão de “O Menino...”. Visões estas, diga-se, jogadas sem qualquer progressão dramática ou esforço para esconder a penca de clichês nível novela do Silvio de Abreu envolvendo um casal apaixonado que luta contra os desafios de pertencerem a classes distintas, algo que a história real até pode conter, mas que a ficção tem como missão trabalhar melhor. Incomoda também a redundância de situações que, não raro, ressoam praticamente iguais, tais como as que se vê nos vinte primeiros minutos de cada filme, quando os narradores contam, respectivamente, como se conheceram. É um apego tão grande ao “fato” que pouco sobra para a imaginação. Culpa de quem conta ou do conceito como um todo? Talvez, este seja um veredicto bem mais complexo de se dar.

Perdendo uma ótima oportunidade de se estabelecer como um marco da vertente “crime verdadeiro” do gênero policial no Brasil, “A Menina que Matou os Pais” e “O Menino que Matou Meus Pais” até chamam a atenção por sua proposta, mas se empalidecem por jamais desafiarem o espectador sob qualquer aspecto, seja estético, seja como um estudo da psicopatia de seus personagens. Voltando a “Rashomon”, pode-se dizer que a fala de um dos ouvintes mais incrédulos compõe um pensamento que poderia representar o desejo de qualquer espectador que se proponha a dar o play: “Não me importa que seja mentira desde que seja divertido.” Ao optar por não produzir um documentário e, com isso, ficar restrito à reconstituição da "verdade dos fatos" – o que por si só já seria bem pobre -, os responsáveis pelo projeto desperdiçaram a chance de explorar a vantagem que os anos de exposição do caso lhes dava para, tendo como base uma detalhada história sobre assassinos reais, criar um produto envolvente na forma de uma boa peça de ficção.   

Nem Vale Ver!